3 stunden 57 minuten

zweiteiliges Austauschprojekt St.Gallen - Genf

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3 stunden 57 minuten dauert die zugfahrt von st.gallen nach genf – und umgekehrt. genf im westen, französischsprachig und st.gallen im osten, deutschsprachig. zwei unterschiedliche städte und szenen, beide am rande der schweizergrenze. der kulturelle horizont von genf richtet sich denn auch eher nach paris, denn in die ostschweiz. 3:57 möchte künstlerInnen von genf und der ostschweiz während einer kurzen zeitspanne zusammen bringen. einmal in st.gallen in und rund ums NEXTEX und zum anderen mal in der «fonderie usine kugler», einer riesigen ehemaligen industriehalle in genf.

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ST.GALLEN:

Denise Altermatt, Ghislaine Ayer, Californium 248, Rudy Decelière, Regula Engeler, Sarah Haug, Sarah Hugentobler, Tami Ichino, Alexandre Joly, Stéphane Lauper, Céline Peruzzo, Valentina Pini, Katja Schenker, Felix Stickel, Peter Stoffel 

GENF:

Com&Com, Mio Chareteau, Vidya Gastaldon, Georg Gatsas, Rolf Graf, Andy Guhl, Katalin Déer, Aurelio Kopainig, Pascal Lampert, Martin Lorenz, Marie-Avril, Costa Vece, Andrea Vogel, Daniel Zea

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Projektleitung, Genf: Alexandra Maurer, Séverine Fromaigeat / St.Gallen: Karin Bühler, Gabriela Falkner, Stefan Rohner



 

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ST.GALLEN

 


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Interviews Teil 1

Gesprächsrunde im Nextex mit Stefan Rohner, Felix Stickel, Céline Peruzzo, Karin Bühler, Marlies Pekarek, Gabriela Falkner und Valentina Pini, 29. September 2011

SR: Inwiefern beeinflusst der Arbeitsort deine Arbeit?

VP: Genf ist sehr aktiv und lebendig. Es gibt viele Ausstellungen und Eröffnungen. Ich gehe sehr oft an Ausstellungseröffnungen, einmal pro Woche mindestens. Wenn ich etwas Interessantes sehe, gibt mir das Energie und Motivation für die eigene Arbeit. Die Eindrücke beeinflussen wahrscheinlich auch meine Arbeitsweise. Mein Atelier hingegen ist etwas sehr Persönliches, ich bin dort alleine. Ich mag es aber gerne, Freunde in der Nähe zu haben. Mein Atelier ist in einem Gebäude mit dreizehn anderen Künstlerinnen. Ich kann mich austauschen, technische Fragen besprechen, diskutieren. Insofern beeinflusst mein Arbeitsort meine Arbeit.

CP: Ich bin in Genf geboren und aufgewachsen, habe dort die Kunsthochschule besucht. Jetzt lebe und arbeite ich in Zürich. Ich habe ein Atelier an der ZHDK in Zürich, wo ich den Master mache. Wie Valentina brauche auch ich Input und Austausch mit anderen Künstlern, möchte ihnen meine Arbeit zeigen, technische Fragen besprechen und auch, in welche Richtung die Arbeit weiter gehen könnte. Das Atelier habe ich für mich alleine. Wenn ich im Atelier arbeite, brauche ich Ruhe. 

FS: Ich lebe seit zehn Jahren in Zürich und arbeite zwei Tage in St.Gallen. Ich kann nicht sagen, dass Zürich meine Arbeit beeinflusst. Ich würde in St.Gallen wohl dieselben Arbeiten machen. In Afrika wäre es bestimmt anders. Aber wenn man Zürich und St.Gallen vergleicht, so ist das ziemlich dieselbe Kultur. Ob ich St.Galler oder Zürcher Künstler bin, ist für mich irrelevant. 

KB: Mir fällt auf, dass viele Westschweizer Künstler minimalistisch arbeiten, sehr in der Formalität und Materialität verhaftet sind. Gibt es dafür einen Grund?

VP: Dozenten können bisweilen die Arbeit mehr beeinflussen als der Arbeitsort. Es gibt Dozenten, die den Arbeiten der Studenten ihren «Stempel» aufdrücken. Vielleicht ähneln sich deshalb einige Werke?

CP: Als ich in Genf studierte, haben sich die Kunstschulen Genf und Lausanne immer konkurriert. Man hat von einem Lausanner oder Genfer Stil gesprochen. Als ich nach Zürich zog, sagte man mir, da sei die Kunst ganz anders. Aber ich finde das überhaupt nicht. Es ist vielleicht europäisch. Die Idee, dass man in Lausanne solche Kunst macht oder solche. 

VP: In der Schweiz lösen sich die Grenzen möglicherweise auf. Aber als ich in Wien war, traf ich auf ganz andere Kunst. Dort war es konzeptuelle und politisch engagierte Kunst. So was habe ich in Genf nicht gesehen. In Wien scheint die historische Vergangenheit durchzudrücken. 

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SR: Kannst du dir vorstellen, auf dem Land zu arbeiten?

CP: Als junge Künstlerin musst du wohl in einer Stadt leben, um in Kontakt zu sein, um entdeckt zu werden. Aber persönlich würde ich gerne auf dem Land arbeiten. Ich war im Sommer während zwei Wochen in den Bergen und habe viel besser und konzentrierter gearbeitet als in Zürich. In der Stadt bin ich viel abgelenkter. Am liebsten hätte ich beides. 

VP: Das ist doch die Idee der Studienaufenthalte. Du musst nicht Geld verdienen und hast Zeit für die Arbeit.

CP: Aber in New York wäre ich sehr abgelenkt!

SR: Ich gehe jedes Jahr für ein paar Wochen ins Engadin, weil ich dort in Ruhe arbeiten kann. Die Stadt brauche ich aber schon auch. Beides.

KB: Das geht uns wohl allen so. Ich lebe auf dem Land. Ich arbeite da sehr konzentriert. Dafür geniesse ich Aufenthalte in Grossstädten um so mehr.

FS: Das Beste wäre, einen eigenen Rhythmus zu finden. Im letzten Jahr, als ich  nicht so viel gearbeitet habe, war ich pro Monat eine Woche im Tessin. Meine Eltern haben dort ein kleines Häuschen. Dort konnte ich intensiv lesen, was mir in Zürich nicht gut gelingt. Dafür kannst du in der Stadt innert Kürze das Terrain wechseln, von Atelier zu Künstlerkollege, von Ausstellung zu Kaffee. 

KB: Genau, guten Kaffee vermisse ich in Trogen. 

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VP: Gibt es eine junge Kunstszene in St.Gallen?

SR: Ja.

KB: Wen meinst du?

SR: An der Höheren Fachschule für Bildende Kunst gibt es junge Leute. Seit einem Jahr gibt es dieses Angebot.

KB: Das ist allerdings sehr neu und als lebendig kann man das (noch) nicht bezeichnen. Die meisten jungen Menschen, die an Kunst interessiert sind, wandern aus. Sie suchen sich eine Kunsthochschule. Nebst den üblichen Orten in der Schweiz gehen einzelne von hier auch nach Wien oder Deutschland. 

FS: Für mich war es klar, nach der Grundausbildung in St.Gallen wegzuziehen. Nach Zürich, Bern, Luzern, Basel. Spielt gar nicht so eine Rolle wohin. 

KB: In der Ost-, Südost- und Nordostschweiz gibt es keine Kunsthochschule. Die halbe Schweiz ist eine Kunstausbildungs-Brache.

VP: Im Tessin zum Beispiel, wo ich aufgewachsen bin, gehen die Künstler auch nach Genf oder Zürich. Es gibt wohl eine École d'art in Lugano, aber es ist keine École supérieure, keine Kunsthochschule, wie in St.Gallen. Einige gehen auch nach Mailand. Da geht es aber sehr akademisch zu und her.

FS: Da stellt sich die Frage, wie man denn eine Region wahrnimmt. Es tauchen immer wieder Benennungen wie «Zürcher Künstler» oder «St.Galler Künstler», «Schweizer Kunst», «Genfer Schule» oder «Schweizer Zeichnung» auf. Dieser regionalen oder nationalen Etikettierung stehe ich skeptisch gegenüber. Insgeheim ist es wohl einfach eine Frage der Infrastruktur. 

KB: Mit der Infrastruktur einer Kunsthochschule hast du die jungen Menschen, die den Ort beleben und du hast Dozenten für den Diskurs. Das fehlt hier, in der Ostschweiz. Es fehlt damit auch die Einflussnahme an entscheidenden Stellen des eidgenössischen Kunstbetriebes.

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SR: Wenn du eine Ausstellung machst, reagierst du dann speziell auf den Ausstellungsort?

VP: Es kommt auf den Raum an. Es gibt Orte, die sind sehr roh, und andere nicht. Meine Skulpturen reagieren in der Regel direkt auf den Raum. In einem historisch besetzten Raum reagiere ich gerne auf die Geschichte. Es ist dann aber nicht wirklich ortsspezifisch.

CP: Am liebsten arbeite ich für einen bestimmten Ort. Für meine Arbeit sind Galerieräume oder «White Cubes» nicht sehr ideal. Räume mit Geschichte interessieren mich viel mehr. Mein Traum-Ausstellungsort ist nicht ein «White Cube». 

KB: Auch ich arbeite am liebsten für einen bestimmten Ort, befasse mich mit seiner Geschichte, seiner Beschaffenheit. Die Recherche fliesst in die Arbeit ein. 

SR: Céline, für Nextex hast du eine Schaufenster-Vitrine bespielt. 

CP: Ich wollte meine neuen Zeichnungen zeigen, für die ich dann eine Lösung vor Ort suchte. 

FS: Man kann einen Raum nicht einfach ignorieren. Er ist da. «Meine» Schaufenster-Vitrine musste ich mir aneignen und habe diverse Möglichkeiten durchgespielt. Es gibt diese drei grösseren Flächen im Innenraum, die ich zuerst als einzelne Teile bespielen wollte. Karin hat mich zum Glück von der Dreiteilung abgebracht. Schliesslich habe ich den Kasten roh genutzt und eine grosse Zeichnung reingehängt. Ich definiere mich aber deshalb nicht als ortsspezifischen Künstler. 

CP: Und ich habe genau anders reagiert. Weil ich die Zeichnungen zeigen wollte, habe ich einen Einbau mit Vertiefung gebaut. Das war diesmal der Entscheid, der ein nächstes Mal aber wieder anders sein könnte.

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SR: Was treibt dich an, Kunst zu machen?

VP: Das Experiment. Mein Atelier ist wie ein Forschungslabor. Ich probiere aus und probiere und plötzlich gibt es eine Erkenntnis. Die Glas-Skulptur hier im Nextex zum Beispiel habe ich mit einem Modell ausprobiert. Es war ein Spiel mit Transparenz-Papier. Plötzlich habe ich die Reflexionen gesehen und kapiert, was ich machen möchte. Das sind die besten Momente. Natürlich gibt es auch die anderen Momente, wo man Kaffee trinkt und putzt und nichts passiert.

KB: Die schönsten Momente passieren mir unter der Dusche, unterwegs oder vor Ort, wo sich die Arbeit manifestiert. Ich mag jenen Moment, in dem ich sehr konzentriert und äusserst wach bin, den Moment von erhöhter Aufmerksamkeit. 

FS: Ich mag es, Zeit zu haben, um ein Vermögen, ein Potential von mir zu entwickeln, nicht eine Handfertigkeit, sondern eine Freude an einer kleinen Eroberung im Moment, oder auch über eine längere Zeitdauer. Es ist nicht die Freude an mir selber, sondern die Freude am Entdecken. Beim Zeichnen kann das passieren.

VP: Es gibt diesen organisatorischen Teil der Arbeit, bei dem man ein Modell baut, Material bestellen muss, eine Zeichnung macht, jemanden zu einer Besprechung trifft usw. und das einfach erledigt. Dann gibt es im Arbeitsprozess noch den Moment der Enthüllung, den Moment, wo eine Idee funktioniert oder nicht. Davor habe ich immer Angst. Ich versuche diesen Moment immer zu verschieben. Wenn ich die Angst dann aber überwunden habe, bin ich sehr stolz und zufrieden.

CP: Ich weiss nicht, ob ich Spass habe, Kunst zu machen. Vielleicht ist Spass auch das falsche Wort. Ich weiss nur, dass es das Einzige ist, was ich wirklich ernst nehme und mich darin sehe. Während der Ausbildung wollte ich tausendmal aufhören. Ich bin eine Notfallkünstlerin. Ich bin aber nicht nur am Leiden! Es gibt diese Sekunden, wo ich etwas verstanden habe. 

SR: Mir ist es wichtig, dass ich selber entscheiden kann, was ich machen will. Niemand sagt mir, was ich machen muss. 

CP: Nächste Woche brauche ich Sonnenschirme für eine Installation. Nur ist jetzt nicht mehr Sonnenschirm-Zeit und es ist ganz kompliziert, jetzt Sonnenschirme zu finden. Ich finde das aber genial! Beim Kontakt mit den Leuten gibt es immer lustige Situationen, weil man etwas haben möchte, was sonst niemand will. 

KB: Für meine letzte Arbeit suchte ich einen Laserprojektor, mit dem man Text projizieren kann. Die Buchstaben sollten leuchten. Ich nahm Kontakt mit einem Typen auf, der mich zu sich in seinen «Showroom» in Dübendorf einlud. Ich reiste dort hin. Er führte mich in eine Tiefgarage! Meine Güte, Karin, was machst du hier, fragte ich mich. Er projizierte schliesslich seine Laser in die Garage. Das war sein Showroom!

CP: Und war es das Gerät, was du suchtest?

KB: Nein. (Gelächter) Er machte mir ein zweideutiges Angebot. Als nächstes loggte ich mich als «Laserfreak» in einem Internet-Forum ein und sandte einen Hilferuf aus. Dort wurde ich bestens umsorgt und vermittelt. Schliesslich gelangte ich an einen Lasertechniker aus Friedrichshafen, der mir sein Equipment in Lindau zur Verfügung stellte. Er organisiert sonst Disco- und Technoanlässe. Als ich ihm sagte, ich wolle Text projizieren, fragte er: Text? nur Text? –

Jetzt bin ich aber ein bisschen abgedriftet.

SR: Macht gar nichts. Im Gegenteil.

VP: Diese Geschichten, wie Künstler zu ihrem Material kommen, müsste man eigentlich sammeln.

GF: Wir haben alle unsere Ängste und Sorgen. Ob man Kinder hat, in London oder in Amerika lebt, du machst in der Situation das, was dir wichtig ist und was du dir heraus nehmen kannst. Vielleicht gibt es intensivere oder konsequentere Formen, aber wenn der Drang da ist Kunst zu machen, dann gehst du keinen anderen Weg. 

CP: Es gibt keine Rezepte.

FS: Man braucht einfach genug Zeit. Wenn du zu wenig Zeit hast, dann hast du zu wenig Zeit. Das kann wegen Kindern, einem Geldjob oder was auch immer sein. Zwei Tage Geldjob sind für mich schon die oberste Grenze. Es ist eine Frage der Konzentration. 

VP: Es ist auch eine Frage der Disziplin. Ich muss regelmässig ins Atelier gehen, weil ich weiss, dass es gute und schlechte Tage gibt. 

FS: Es braucht eben auch Zeit zum Nichtstun. Man muss sich auch selber überlisten – zum Beispiel die Mails erst am Mittag beantworten.

VP: Es ist auch ein «way of life».

FS: Kunst machen ist, wie vorhin erwähnt, Intensitätssteigerung. Diese erhöhte Aufmerksamkeit gilt es auch zu geniessen. 


 

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GENF



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Interviews Teil 2

SR: Verwendest du immer dasselbe Medium? Welchen Stellenwert hat das Medium in deinem Schaffen?

CP: Das Medium ist nicht wichtig als Medium. Ich suche immer die einfachste Lösung. Das Medium Zeichnung kenne ich und ich weiss, wie ich es einsetzen kann. Wenn das Medium zu kompliziert, zu durchdacht ist, dann kann ich nicht gut damit arbeiten. Ich muss meine Idee möglichst direkt ausdrücken können. 

FS: Früher habe ich viel gezeichnet. An der Kunstschule habe ich Diverses ausprobiert, weil man da einfach die Gelegenheit dazu hat. Dann habe ich viel gelesen und Konzeptkunst gemacht. Das waren Gedankengänge mit klarer Umsetzung, die mich in eine Sackgasse manövrierten. Jetzt zeichne ich vor allem wieder. Das Zeichnen ist am nächsten beim Denken. 

MP: Was die Wahl der Medien betrifft, kann man heute eigentlich alles machen. Man hat die Freiheit alles zu tun. Aber man muss dran bleiben. 

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FS: Ich führe einen Zettelkasten mit gefundenen und gesammelten Texten oder Zitaten. 

SR: Ich mache Skizzen, bevor ich fotografiere.

VP: Ich habe ein Skizzenbuch. Darin schreibe ich Ideen, Skizzen, Referenzen. Vor einer Ausstellung blättere ich das Skizzenbuch durch. Es ist wie eine Rückversicherung.

KB: Ich sammle Artikel und Zitate aus Zeitungen und Magazinen. Zitate haben auch schon direkt in eine Arbeit gefunden. Interessant finde ich, dass sich Artikel anhäufen, welche erst über die Jahre ein Interesse manifestieren.

VP: Ich habe eine Titelliste.

KB: Ich auch.

CP: Ich habe oft Titel gefunden für andere Künstler, für deren Ausstellungen.

Die Zeichnungen hier in der Vitrine heissen: «Briefe an ...» weil die Zeichnungen für mich wie Briefe funktionieren.



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Karin Bühler und Tami Ichino beim Frühstück, 24. September 2011

KB: Du bist eine in Genf lebende Japanerin. Verstehst du dich als Genfer Künstlerin oder als Künstlerin aus Japan? 

TI: Ich bin in Japan geboren und aufgewachsen. Nach der üblichen Schulkarriere kam ich dann mit achtzehn nach Europa, nach Frankreich. In Chambéry machte ich ein Sprachstudium und begann in Lyon das Kunststudium, welches ich in Nizza weitergeführt und schliesslich in Genf abgeschlossen habe. Seit 2001 lebe ich in Genf. Ich bin also sehr geprägt von der europäischen Kunstgeschichte. Und doch ist meine Arbeit auch sehr von der japanischen Kultur beeinflusst. Insofern kann ich diese Frage nicht eindeutig beantworten..

KB: Deine Arbeit empfinde ich tatsächlich als sehr japanisch, wenn man das so sagen kann. Mir fällt eine gewisse Reduktion auf, die nicht dem amerikanischen Minimalismus nachempfunden ist, sondern eine schlichte Narration, die vielleicht japanische Wesensart beinhaltet. 

TI: Es sind Kindheitserinnerungen, die immer wieder in irgendeiner Form in meiner Arbeit auftauchenIn meiner Arbeit und im Alltag bewahre ich einen japanischen Geist, der durch meine Herkunft natürlich gegeben ist; gleichzeitig manifestiert sich aber auch einen europäischen Geist, den ich mir hier über die Jahre aneignete.

Als ich in Japan arbeitete, dachte ich, dass meine Arbeit stark von Europa beeinflusst sei. Als ich aber hier ankam, stellte ich fest, dass meine Arbeit wegen ihrer Formensprache, dem Stil und dergleichen doch japanisch ist. Es ist sehr schwierig, sich der Herkunft zu entziehen.

Was Logik und Konzept meiner Arbeit anbelangt, habe ich an der Kunstschule gelernt, darüber nachzudenken. Das war vorher nicht unbedingt der Fall. In Japan sah ich meine Arbeit als direkten Ausdruck von Empfindungen, von Gefühlen: ein poetisches Bild im Alltag, dessen Sinn nicht gegeben ist. Daher kommt vielleicht dieses Gefühl eines «Minimalismus», in welchem kleine Geschichten Platz einnehmen können.

KB: Und deine Familie?

TI: Meine Familie lebt in Japan, die ich ungefähr einmal im Jahr besuchen gehe.

KB: Und warst du schon mal in der Ostschweiz?

TI: Nein, noch nie. Ohne die Ausstellung im Nextex würde es mich kaum hierher verschlagen. Ich kenne niemanden von hier. Man spricht auch nicht über St. Gallen. Ausser Giovanni Carmine und die Kunst Halle, die sind mir ein guter Begriff. Die Stiftsbibliothek habe ich gestern besucht. Sie hat mich sehr beeindruckt. Sowieso gefällt mir St.Gallen. Die Stadt ist famos gelegen, in der Talsohle zwischen zwei Hügeln. Im Tal ist die Anhäufung der Häuser, auch Hochhäuser, und auf den Hügelkuppen ist es grün. – Et j'aime bien l'Appenzellerland!

 



 

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Texte zu den KünstlerInnen in St.Gallen

Valentina Pini *1981 im Tessin, lebt in Genf 

Nextex, Ausstellungsraum 1: Skulptur: Angolo Giro, Collage: Mineralien 

Im Projektraum steht die aus vier Glasplatten bestehende Skulptur «Angolo Giro». Die Platten sind symmetrisch in einem offenen Winkel aufgefächert. Auf jeder Glasplatte ist mit schwarzem Klebeband eine diagonale Linie gezeichnet, wodurch sich die geometrische Struktur verdichtet. Mit dem Spiel von Licht und Reflexen lässt sich die Skulptur und der sie umgebende Raum vielschichtig erfahren. Die Collage «Mineralien» zeigt zwölf geometrische Formen, welche die Struktur von verschiedenen Mineralien charakterisieren. Valentina Pini kopierte Schwarzweiss-Fotografien von verschiedenen Steinen und Mineralien und setzte sie als Collage zu neuen kristallinen Formen zusammen. Des weiteren sind zwölf schwarze abstrakte Formen auf das Glas geklebt und erweitern die Geometrie der Mineralienstruktur, woraus sich eine verspielte Wechselwirkung zwischen beiden Ebenen ergibt.

 

Tami Ichino *1978 in Japan, lebt in Genf

Nextex, Ausstellungsraum 1: Malerei: Pluie, Objekt: Teruterubôzu, Aquarell: Lune et nuage 

Im selben Raum ergänzen die poetisch feinen Arbeiten von Tami Ichino die Arbeiten von Pini. Die Künstlerin arbeitet mit Bildern der Natur, mit realen und imaginären Objekten, die eine magische Atmosphäre erzeugen. Oft vermischen sich Elemente der japanischen Kultur mit derjenigen Europas. Die Puppe «Teruterubôzu», in einem mehrteiligen Färbeverfahren hergestellt, soll schönes Wetter bringen. Ichinos Werk basiert auf dem CMYK-Farbmodell. So entfaltet sich geschichtetes Cyan, Magenta, Gelb und Schwarz in der siebenteiligen Serie «Pluie» (Regen) zu lebendigem Grau. Wolken durchdrängen bisweilen die Regenstränge. In langsamer Arbeit schichtet sie die Farben und erzeugt damit eine räumliche Empfindung. Diese Arbeitsweise überträgt sie auf Malereien wie auch auf Skulpturen.

 

Sarah Hugentobler *1981 in Frauenfeld/Eschenz (TG), lebt in Bern

Nextex Ausstellungsraum 2: Video: Die Stimme

Hinter dem weissen Vorhang tritt man in ein Kabinett besonderen Geschehens. Für die Tonspur der Videoarbeit «Die Stimme» verwendete Sarah Hugentobler die Aussagen einer Klangtherapeutin, die über ihre Arbeit Auskunft gibt. Von dieser Stimme ausgehend erfand die Künstlerin eine Person und eine Raumsituation. Die im Film gezeigten Fotografien stammen aus einem Fotoarchiv ihres Grossvaters. Sie zeigen den Grossvater, seinen Bruder und die Künstlerin selbst. Die Tapete ist diesen Fotos entnommen. Die blonde Frau, durch die Künstlerin dargestellt, spricht über die abgebildeten Personen und tritt mit ihnen in Kontakt. Sarah Hugentobler schafft mit ihren Videoarbeiten eine irritierende, eigene Atmosphäre. Sie changieren zwischen Künstlichkeit, Klischee und Authentizität, zwischen Komik und dem Unheimlichen.

 

Ghislaine Ayer *1976 in St.Gallen, lebt in St.Gallen

Nextex, In der Bar: Objekte: true blood

Nach Sonja Hugentobler bespielt Ghislaine Ayer als zweite Künstlerin die Nextex-Bar. Fünfzehn Plastikboxen sind an der Rückwand aufgehängt. Die Anordnung der transparenten Kunststoffboxen, die teilweise hautfarbig bemalt sind, erinnern an Zellenstrukturen. In diese Zellen stellt Ayer ihr in Reagenzgläser abgefülltes eigenes Blut. Die Hintergründe der Objektmontage liegen in der „True Blood-Vampirserie“, einer HBO-Produktion, so die Künstlerin. Darin soll von einem japanischen Bluthersteller synthetisches Blut angefertigt werden, welches es Vampire ermöglichen soll, sich zu assimilieren. Hoffen wir, dass sich die Bargäste nicht gegenseitig in die Kehle beissen, sondern sich lediglich mit dem roten Saft in Form von Wein die Kehle benetzen.

 

Céline Peruzzo *1980 in Genf, lebt in Zürich

Schaufenster rechts, Schmiedgasse: Zeichnungen: Briefe an... 

In einer Schaufenstervitrine an der Schmiedgasse hat Céline Peruzzo einen Holzeinbau gefertigt, grau gestrichen und in die längliche Vertiefung ihre Zeichnungen gehängt. „Briefe an...“ sind surreal anmutende Bildfindungen. Valentina Vujovic beschreibt Céline Peruzzos Werk folgend: «Ihr Werk ist eine durchsichtige Linie, an die man sich halten will. Ohne Erfolg. Sie zeigt uns Formen und Geschichten von Gedanken, möglichen Menschen, Alltagsgegenständen. Deren Anfang und Ende uns aber verborgen bleibt. Nur durch die Refrains, die sich immer wieder durch ihre Werke, sei es Malerei, Zeichnung oder Installationen, wiederholen, lässt sie uns glauben den Inhalt dazwischen zu kennen - da er sich in unseren Köpfen manifestiert.»

 

Felix Stickel *1979 in St.Gallen, lebt in Zürich

Schaufenster links, Schmiedgasse: Tuschezeichnung

Felix Stickel montierte in die zweite Schaufenstervitrine an der Schmiedgasse eine grossformatige Tuschezeichnung. Breite Pinselstriche überziehen grosszügig das Papier. Der wellige Strich moduliert eine Landschaft, welche zwischen St.Gallen und Genf liegen könnte ... Vor zwei Jahren entdeckte Felix Stickel das Zeichnen neu und holte sich damit das Subjektive, Intuitive, Unkontrollierbare in sein Schaffen zurück. Felix Stickel beschreibt seine Arbeitsweise, als auf Gegensätzen aufbauend. Seine Arbeiten bewegen sich zwischen Abstraktion und Erzählung, zwischen dem Verwirklichen eines Systems und dem Einbruch des Unkontrollierbaren.

 

Denise Altermatt *1978 in St.Gallen/Degersheim, lebt in Zürich

Gallusstrasse 11: Objekt: ohne Titel (282.5km)

Denise Altermatt platzierte für 3:57 an der Gallusstrasse 11 auf dem dreieckigen Kiesplatz einen Knäuel. Laut der Internetseite www.luftlinie.org beträgt die Distanz zwischen den beiden Ausstellungsorten des Austauschprojektes 282.5 km. Mit dem Wissen um die Relativität von Distanzen  sind diese 282.5 km der Künstlerin Ausgangslage für ihre Projektidee. Exakt 282.5 km Wolle, Garn und Faden hat sie während 50 Stunden von Hand zu einem Knäuel gewickelt, der schliesslich 24 kg wiegt und einen Durchmesser von 60cm hat. Durch die Diversität des Materials erhält der Knäuel einen vielfältigen Charakter, wie es auch die zu durchschreitende Landschaft hätte, wenn man den Faden von St.Gallen nach Genf ziehen würde.

 

Alexandre Joly *1977 in Frankreich, lebt in Genf

Auto an wechselnden Standorten: Installation: Reviens dans 5 min.

Alexandre Jolys Arbeit besteht aus einem präparierten Auto, was die Begehrtheit von Parkplätzen in der südlichen Altstadt augenzwinkernd unterwandert. Bei dem irritierend amüsanten Werk handelt es sich um einen grossen Post-it aus Sagex, welcher mit einem Spannset auf die Frontscheibe eines Autos fixiert ist. Auf dem Sagex-Post-it steht französisch geschrieben «Komme in 5 min», was auch der Titel der Arbeit ist. Das Auto steht am Abend des 22. und 29. September vor dem Stadthaus an der Gallusstrasse 14 und vom 23. bis 28. September auf dem Bahnhofplatz beim Lämmlerbrunnen.

 

Rudy Decelière *1979 in Frankreich, lebt in Genf

Passage Pärkli-Stiftsbibliothek: Audio-Installation: Mers promises (Die verheissenen Meere)

Rudy Decelières Arbeit in der Passage zwischen dem Pärkli beim Hofkeller und der Stiftsbibliothek ist eine äusserst delikate und feine Angelegenheit. Nicht sichtbar, aber hörbar eröffnet sich unerwartet eine Flüster- und Klangwelt. Mit des Künstlers Worten heisst es so: «Hast du mir nicht das Meer versprochen? In einer Fussgängerpassage, welche von Touristen frequentiert wird, um sich die Partituren einer anderen Zeit zu betrachten, flüstert die Luft, ein unsichtbarer Mund. – Eine Musik, ein Ton, woher kommt er? Von welchen Tiefen und wohin trägt er uns? Dieser Ton, der Erinnerungen wach ruft und irritiert, hier. Das Lüftungsgitter, könnte es etwas bedeuten? Die Absicht besteht darin, einen Zwischenort zu kreieren, inmitten einer Passage - ausserhalb von allem. Eine Welle.»

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Regula Engeler *1973 in Argentinien, lebt in Gais (AR)

Festsaal, Stadthaus der Ortsbürgergemeinde: Dia-Installation: researches on the strange fields #3, elektrischer staub

Regula Engeler projiziert im Festsaal des Stadthauses der Ortsbürgergemeinde 80 Dia-Bilder auf ein Transparentpapier. Mit «resarches on a strange field#3» setzt sie ihre Forschungen zu physikalischen Beobachtungen von Licht und Schatten, der Zeit, Landschaften und Abstraktionen weiter. Engeler beschreibt den Vorgang ihrer Arbeit als Abtasten der Realität, wobei sie versucht, die Leere zwischen den Dingen zu finden, die Grenze zwischen dem Wirklichen und Unwirklichen. Zu ihrer Arbeit hat sie folgende Zeilen selber formuliert: «was ist ein wahrscheinlichkeitsfeld? manchmal ist nur ein schatten erkennbar. dabei gibt es viele möglichkeiten. ein bild ist vieldeutig. mehr als eines ist es ein bewegliches vieles. es ist, was im moment ist. es erscheint als etwas, wie es mit anderem zusammengeht. in einem anderen moment jedoch verschwindet diese verkörperung. wahrscheinlich ist es etwas anderes geworden. laufend wechselnd wird der staub durch aufreibende bewegungen umgeschichtet.»

 

Californium 248 Kollektiv bestehend aus Théo Keiflin, Zofia Klyta-Lacombe, Thomas Köppel, Sonia Rickli, Coralie Rouet und Simon Senn

Hofkeller: Performance und Installation: dans l‘espoir de retenir votre attention

Californium 248 ist ein künstlich hergestelltes Element, bekannt als aussergewöhnlich dicht, radioaktiv und instabil. In Anlehnung an die chemische Referenz wurde im Januar 2009 das gleichnamige Kollektiv gegründet. Die unterschiedlichen Ressourcen und beruflichen Hintergründe der einzelnen Gruppenmitglieder bilden den Nährboden für ihre gemeinsamen Projekte. Beruhend auf der Reflexion, welche mit den Bedingungen des Präsentierens eines Werkes eng verbunden sind werden sie im Hofkeller einen Fragebogen kursieren lassen, den die Besucher ausfüllen sollen. Die Ergebnisse der Umfrage werden die Performance beeinflussen. Mit freundlicher Unterstützung von Migros Kulturprozent / Entwurf und Stickerei des Titeltransparents: Pamina de Coulon

 

Sarah Haug *1979 in Bern, lebt in Genf

Rosenkeller: Videoanimation: Fitness dans la Forteresse

Zur Eröffnung zeigt Sarah Haug ein VJ Set, das auf ihrem Animationsfilm «Fitness dans la Forteresse» gründet. In einer Burg trainieren gelbhaarige Mädchen inmitten von Drachen, Krokodilen und anderen Kreaturen ihre Muskeln. Sie hoffen damit einen Prinzen zu ergattern. Das VJ Set besteht aus einer Serie von Einzelteilen, die sich vielfältig zu Musik kombinieren lässt.  Das Zusammentreffen der Musik mit den Bildern spielt dabei eine entscheidende Rolle. Aus der Kombination von beschreibenden Elementen und Musik entstehenden keine richtigen Geschichten, sondern vielmehr Ausgangslagen für verschiedene Szenarien rund um die Burg und ihre Bewohner. «Fitness in the Fortress» ist eine Art Spielkiste oder visuelles Musikinstrument.

 

Peter Stoffel *1972 in St.Gallen/Herisau, lebt in Genf

Rosenkeller: DJ 

Peter Stoffel zog für sein Studium an der École des Beaux-Arts nach Genf und ist dort geblieben. Seine Malerei, eine Art abstrahierte Satellitenbilder, besteht aus verschiedenen Farbflecken und -punkte, welche Landschaftsbilder aber auch Gesichter, Tiere oder Objekte evozieren. Stoffel zeigte seine Werke bereits 2009 am Heimspiel - Ostschweizer Kunstschaffen im Kunstmuseum St.Gallen und 2006 in der Galerie Paul Hafner. Für 3:57 bringt Peter Stoffel einmal nicht Malereien mit nach St.Gallen, sondern verwebt am späten Eröffnungsabend Rhythmen zu einer Klangcollage. 

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Katja Schenker *1968 in St.Gallen, lebt in Zürich

Katharinen, Innenhof: Performance

Zur Finissage zeigt Katja Schenker im Innenhof von Katharinen eine Performance. Schwerpunkt und Basis des künstlerischen Schaffens von Katja Schenker sind ihre performativen Arbeiten. Als konzentrierte, stumm agierende Protagonistin transformiert die Künstlerin Gebrauchsmaterialien oder -gegenstände durch einfache Bewegungen oder kontinuierlich ausgeführte Tätigkeiten wie Umwickeln, Zerreissen, Eindrehen, Durchstechen oder Zerschneiden in neue Formen und Zustände. Dabei verausgabt sie sich mental und körperlich und stösst oft an die Grenzen der eigenen Belastbarkeit; ihre physischen Möglichkeiten bestimmen alle Handlungsvorgänge.

 

Stefan Lauper *1977 in Genf, lebt in Genf

Katharinen, Festsaal: Videoinstallation

Zur Finissage installiert Stefan Lauper im Festsaal von Katharinen eine Video-Arbeit. Stefan Lauper behandelt Gegenstände als Orte, an welchen es möglich ist zu intervenieren. Er beschreibt seine Arbeitsweise folgendermassen: «Ich habe mich ursprünglich auf folgende Rahmenbedingungen/Vorgaben festgelegt: keine Intervention auf der Oberfläche, keine Anwendung des Ready-made-Konzeptes, keine Erfindung von neuen Formen. Mein Ansatz ist die Umkehrung der Funktion der Alltagsgegenstände und er zielt darauf ab, die «Philosophie» des Innenlebens zu hinterfragen. Die Materie eines Tisches zu extrahieren, wie wenn man ein Ei schälen würde oder einen Schlitten mit Gerstenzucker vollzustopfen sind Experimente, um die Wirklichkeit zu hinterfragen. Sie sollen dazu führen, etablierte Sichtweisen und Wahrnehmungen zu erneuern.»

 

 

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